LA FOTÓGRAFA COLOMBIANA NATHALIE GUIO NOS HABLA DE SU EXPERIENCIA VIVIENDO Y ESTUDIANDO EN NUEVA YORK, ADEMAS NOS CUENTA DE QUE SE TRATA SU PROXIMA EXPOSICIÓN "SUCCESSFUL FAILURE"
 
¿Hace cuánto trabajas como fotógrafa y cuando decidiste irte a estudiar a Nueva York?

Desde hace 7 años estoy trabajando con fotografía. En el 2014 gracias a una crisis laboral, renuncie a mi trabajo y pensé que hacer un programa de verano me ayudaría a entender si quería seguir estudiando. Fui al SFAI (San Francisco Art Institute) y estando allá me di cuenta que necesitaba más pero supe que no era un master porque la fotografía para mi tiene que ver mucho con la intuición, con las vísceras, con lo que nos mueve, es decir, con la emoción y no tanto con el conocimiento... Ya conocía el ICP por su programa de fotoperiodismo, me interesaba que duraba un año, sin embargo el enfoque no me llamaba tanto la atención, entonces aplique a General Studies, que tiene un enfoque más artístico. Aplique con el proyecto que desarrolle en San Francisco, y me aceptaron. Pedí un préstamo al icetex y llegue en septiembre de 2015 a estudiar.

Nueva York es inspirador pero al tiempo abrumador. La ciudad tiene un ritmo diferente y la escuela es muy intensa, el enfoque siendo tan artístico te abre a cuestionarte sobre tu práctica fotográfica, todo el tiempo recibes crítica sobre lo que estás desarrollando pero al final de todo siento que tiene que ver con encontrar tu propia voz. Entonces no es solo la escuela, es la gente, las relaciones que creas, el cambio de clima, el metro, todo eso nutre lo que haces y te lleva a expresarte.

¿Cuál es tu inspiración a la hora de desarrollar un proyecto fotográfico?

Yo creo que la inspiración tiene que ver con varias cosas; por una parte aparece una necesidad de expresión, algo que tengo que decir, son como preguntas abiertas que de alguna manera tengo que resolver, muchas veces los libros me las resuelven, otras veces son tan mías que soy yo la que lo tengo que hacer, también hay detonantes como cosas que he visto, escuchado, leído y que de alguna manera conectan con esa necesidad, entonces me doy cuenta que tiene sentido eso que necesito decir. Y así empiezan a aparecer las imágenes, luego las conecto. Sin embargo, tomar fotos es de todos los días.
 

¿De que se trata el trabajo que vas a exponer en Nueva York?

En esta exhibición estoy presentando una parte de “Eros” que es una colección con el tema del amor. Son nueve piezas, tres imágenes abstractas hechas en el cuarto oscuro de color, dos textos y cinco fotografías. Para mi las imágenes del cuarto oscuro tienen que ver con las emociones, con eso que no se puede explicar, que no se puede fotografiar. Los colores detonan sensaciones y emociones y estas en relación con imágenes fotográficas y textos componen la narrativa. El amor tiene muchas capas, nunca es una verdad, es ambigüedad pura y ahí es donde quiero experimentar.

Además de tu trabajo, se van a exponer las fotografías de otros 3 fotógrafos, cual es el hilo conductor entre estos trabajos?

El tema del “Succesfull Failure” tiene que ver con el proceso de creación. La primera palabra que vino a nuestra mente fue la de metamorfosis, todos dejamos nuestros países para venir acá y es imposible que una experiencia como esta no te transforme no solo en lo creativo sino como personas. Es tan profunda que se siente como si empezaras una nueva vida. El texto que hicimos es una composición con frases de artistas que nos inspiran de una forma muy fuerte. Clarice Lispector, John Cage, George Bataille, Agnes Martin, Bruce Conner, Rebecca Solnit, creemos que hay una coneccion entre ellos, hay mucha honestidad detrás de lo que plantean y con lo que nos sentimos muy conectados, esto resume de alguna manera el significado de esa metamorfosis.

“Horror, metamorphosis, clarity, being on the beam with life - to feel the pull of life. All is true.
to create is not imagination is to take the great risk of owning reality. The immersion where everything else falls away. Form which develops without conscious direction. To take the sacred risk of chance.And to substitute fate for probability.
The ultimate goal is to abolish limit.
To understand is to create. Lost track of time... The world, the real is not an object. It is a process.
To lose is to find.
Successful FAILURE.”

Entonces creo que el hilo conductor entre los cuatro es ese, el momento en que decides emprender un camino de creación que cuestiona tu forma de ver el medio con el que trabajas y lo que quieres expresar. Somos de una generación digital. Sin embargo, hay algo en la inmediatez de la producción de estas imágenes que no nos cautiva tanto a pesar de que podemos trabajar con ellas.. Sentimos una necesidad por volver a lo manual, a lo análogo, a la experimentación como fuente de expresión y esa es para mi la metamorfosis porque todos con diferentes estilos y herramientas estamos cuestionando la forma en cómo nos expresamos a través de la fotografía al tiempo que nos estamos transformando nosotros mismos. Por darte un ejemplo, los dibujos de Igor sobre negativos de 4x5, expuestos a una ampliadora, revelados y luego rayados con una punta afilada para luego imprimirlos en el cuarto oscuro. Este proceso funciona al revés de una cámara, con el artista dentro de ella.

 

De qué se tratan los otros tres proyectos fotográficos?

Algo que me llama mucho la atención es que todos tienen un background muy variado y en diferentes áreas que no son la fotografía. Igor (Brasil) es diseñador y músico, tiene un grupo de música en Sao Paulo que se llama Mostro Horrivel. Paula (Argentina) asistía en dirección de arte para películas y publicidad y Tomo (Japón) tiene un doctorado en Oxford en antropología. Esto para mi nutre lo que hacen de una forma muy diferente. Igor ve en el azar uno de los elementos claves para crear y la materialidad de la imagen como parte importante de su trabajo, se configura a través de los diferentes medios con los que trabaja; audio, fotografía análoga y tejidos. En la muestra vamos a ver un tejido, dos fotografías a blanco y negro y su primer libro “A merman I should turn to be”. Paula deconstruye la imagen fotográfica y la pone en diálogo con objetos, textos y video que funcionan como un diccionario al que accede para hablar de su propia realidad, es un trabajo muy poético y Tomo piensa en la fotografía como el lugar que le permite acceder a otros mientras con la cámara puede recrear la realidad de lo que quiere expresar.

Aquí un poco sobre los otros tres fotógrafos que harán parte de esta exhibición.

Tomo Morisawa: Japon (1983)

Tomo Morisawa es fotógrafo y artista actualmente viviendo en Nueva York. Originalmente de Kyoto, Japón, había vivido y estudiado en el Reino Unido durante más de una década, donde recibió su doctorado en Antropología Sociocultural de la Universidad de Oxford. Su trabajo se basa en el amplio conocimiento de la antropología visual, la teoría cultural y la etnografía japonesa. Sus proyectos en curso examinan la intersección entre la memoria personal y la historia cultural en el contexto japonés (Unwanted Histories), y las formas en que el deseo se construye y se re produce a través de la fotografía (A Photograph Must Be Beautiful).

 

Paula Lombardi: Argentina (1986)

Paula Lombardi es una artista argentina que reside en Nueva York. Incorpora fotografía, objetos y video a su obra. En 2010 se graduó de la Universidad de Cine en Argentina donde realizó su carrera en Diseño de Producción, luego trabajó como Asistente de Producción en películas y publicidad. Recientemente terminó su programa de un año de estudios generales en el International Center Of Photography (ICP). “Trabajar con objetos y fotografías es para mí un diccionario oculto, su combinación con palabras me lleva a la posibilidad de entender, así que voy a ellos como una fuente de referencia y los combino para compartir lo que significa para mí vivir, no quiero guardarlo para mí, no sé qué hacer con eso, esta profunda desorganización duele y debo compartirla” “The Violence of the Metamorphosis”

 

Igor Morales: Brazil (1989)

Igor Morales es un artista y actualmente vive en Nueva York, Estados Unidos. Nació en São João da Boa Vista, Brasil. Se mudó a Sao Paulo cuando tenía 17 años y ahí es donde obtuvo su grado en Diseño, debido a la fotografía, 8 años después de su mudanza, se interesó por el arte y se dio cuenta que tenía estas ideas dentro de su cabeza que necesitaba compartir. Al deconstruir y cuestionar todo lo que conoce como "real", en cualquier medio (fotografía, sonido, tejidos, pintura, hasta ahora), busca divertir, confundir, molestar o inspirar a la reflexión. Le gusta creer que toca temas como las relaciones, el azar y la naturaleza tanto orgánica como inorgánica. También hay algo de erotismo en lo que ha estado haciendo.

 
 
Para ver más del trabajo de NATHALIE GUIO, visita su página web en: www.nathalieguio.com

Más información sobre esta exposición el 9 de diciembre / 2016 sigan este link: www.artsy.net